Er ist einer der international bekanntesten spanischen Fotografen und hat die neueste Werbekampagne von Paradores gestaltet, ein Projekt, in dem er sein visuelles Universum – auf halbem Weg zwischen Bühnenbild, Malerei und Fotografie – in die Vorstellungswelt des Internets überträgt. Sein Werk, sorgfältig ausgearbeitet und doch offen für Überraschungen, steht im Dialog mit der künstlerischen Tradition und bekräftigt die Bedeutung von Emotionen in einer Zeit, die von Unmittelbarkeit geprägt ist.
Sie haben an der Kunsthochschule angefangen, bevor Sie sich der Fotografie zuwandten. Betrachten Sie die Welt immer noch wie ein Maler?
Nicht mehr, aber es fiel mir schwer. Ich begann mein Studium der Bildenden Künste in der Annahme, Maler zu werden. Ich schloss 1992 ab, zu einer Zeit, in der die Fotografie wenig künstlerischen Wert hatte. Heute interessiere ich mich für Malerei, um sie zu genießen, aber ich betrachte die Welt nicht mehr aus dieser Perspektive. Glücklicherweise hat die Fotografie eine künstlerische Renaissance erlebt, die ausreichte, um meine Sichtweise zu verändern.
Woher kommt dieses Bedürfnis, Geschichten in einem einzigen Bild zu erzählen?
Ich habe mit Reportagefotografie angefangen und bin dann in die Modebranche gewechselt. Es gibt einen Punkt, an dem diese Ressource erschöpft ist, auch wenn der ästhetische Aspekt interessant war, weil man experimentiert, um Stile zu definieren und die Möglichkeiten des fotografischen Mediums auszuloten. Da entsteht das Bedürfnis, über das Ästhetische hinauszugehen, damit die eigene Arbeit einen Sinn ergibt. Man muss sich an etwas anderem als der Ästhetik orientieren, um zu entscheiden, ob ein Foto von mir gut oder schlecht ist.
Es gibt Fotografieinteressierte, die Ihre Ästhetik mit dem Traumhaften in Verbindung bringen. Als Künstler ist es logisch, dass Sie mit Ihrem Publikum nicht einer Meinung sind.
Meine Fotografien erzählen von dem, was um mich herum geschieht. Es ist vielleicht so, dass ich die offensichtlichsten Elemente weglasse, damit sie universeller wirken. Das ermöglicht Botschaften parallel zur Realität zu vermitteln, ohne diese dabei außer Acht zu lassen. Zu keinem Zeitpunkt wird auf den Traum Bezug genommen, sondern auf das Reale, wenn auch geprägt von diesem ästhetischen Erbe. Wenn man diese Ästhetik verwendet, kann sie allerdings als etwas Traumhaftes wahrgenommen werden. Der Realität mangelt es sehr an Poesie.
Sie haben in der Mode, in der Werbung und an persönlichen Projekten gearbeitet. Wo kommt Ihr künstlerischer Geist am besten zur Geltung?
Ich versuche, in allem frei zu sein. Ich strebe nicht so sehr nach kreativer Freiheit, denn manchmal weiß ich nicht, was ich damit anfangen soll. Ich brauche Anhaltspunkte, um etwas zu schaffen. Ich mag Herausforderungen: zu prüfen, ob ich in der Lage bin, aus einem Ausgangspunkt etwas zu entwickeln. Das bringt mich dazu, zu lernen. Tatsächlich treibt mich das Lernen mehr an als die Freiheit. Letztendlich finde ich, auch wenn es sich um einen kommerziellen Auftrag handelt, immer etwas, das mir nützt. Selbst bei rein persönlichen Arbeiten kann man nicht völlig frei sein: Man ist von seinen Möglichkeiten, seinen Wünschen, seiner Erziehung abhängig. Es gibt viele Dinge, die uns einschränken, auch wenn wir glauben, Herr über unsere Entscheidungen zu sein.
Ihre Fotos sind sehr konstruiert, fast choreografiert. Wie viel Intuition und wie viel Kontrolle steckt in diesem Prozess?
In meiner Fotografie steckt im Moment der Aufnahme viel Intuition, aber es geht auch viel Arbeit voraus. Ich informiere mich gründlich und recherchiere. Wenn ich zum Shooting komme, vergesse ich sogar, die vorbereiteten Unterlagen noch einmal durchzugehen, aber alles, was ich studiert habe, gibt mir die Möglichkeit, auf einer soliden Grundlage zu erfinden und zu improvisieren. Wenn man das Foto macht, dient das Gelernte dazu, sich eine Richtung vorzugeben und Entscheidungen zu treffen. In diesem Moment braucht es Freiheit, damit Magie entstehen kann.
Ist diese Vorstellung von Fotografie in einer Zeit, in der Bilder unmittelbar und massenhaft verfügbar sind, eine Form des Widerstands?
Es ist eine Denkweise, bei der ich eine Grundlage habe, die mir die Gewissheit gibt, auf dem richtigen Weg zu sein. Das ist es, was mich bisher angetrieben hat und woran ich mich festhalte. Die Verträge schließe ich mit mir selbst ab, ebenso die Rechtfertigungen und die Misserfolge. Ich brauche keine von außen. Diese Vorarbeit sorgt dafür, dass man weiß, dass man die Dinge so gut wie möglich gemacht hat. Es ist eine Art, sich mit dem, was man tut, wohlzufühlen.
Wie kommt ein Künstler wie Sie mit der „Instagramisierung“ der Welt zurecht?
Gut. Sie inspiriert mich. Es ist eine Sache, dass sich Horizonte öffnen, und eine andere, dass dieser Horizont der einzige ist. Die Welt ist sehr groß, und das ermöglicht es einem zu sehen, was da draußen gemacht wird; das Schlimme daran ist, dass man nicht allzu tief in die Bilder eintauchen kann. Die Mechanik, in der wir gefangen sind, immer nur zu konsumieren, lässt einem keine Zeit, sich mit einer zweiten Lesart der Fotos auseinanderzusetzen. Das heutige Leben macht das nicht gerade leicht. Es sammeln sich Bilder an, die man letztendlich gar nicht richtig genießt. Ich versuche meinerseits, dass meine Fotos jedes Mal, wenn man sie betrachtet, anders wirken.
Ihre Bilder laden dazu ein, innezuhalten. Haben wir diese Art des Sehens verloren, auch wenn wir reisen?
Wir haben die Fähigkeit verloren, uns überraschen zu lassen. Wir wollen uns zu sehr informieren, und wenn wir an den Orten ankommen, wollen wir nur bestätigen, dass das, was wir im Internet gesehen haben, auch wirklich da ist. Die Menschen sind enttäuscht, weil sie die Dinge schon besuchen, bevor sie dort ankommen. Information tötet das Wissen, und Wissen tötet die Weisheit. So viele Informationen rauben uns die Vorfreude auf die Dinge.
Paradores hat in seinen Werbekampagnen den Schritt von der Illustration zur Fotografie gewagt, dabei aber dieses fast magische Universum beibehalten. Wie sind Sie diese Herausforderung mit Ihrer eigenen Sprache angegangen?
Ein Teil meiner Arbeit hat viel mit Illustration zu tun, da ich aus der Bildenden Kunst komme. Ich lasse mich auch oft von Illustrationen aus Kinderbüchern inspirieren, weil sie fantastische Welten erschaffen. In dieser Hinsicht war es ziemlich einfach. Um uns so nah wie möglich an handwerkliche Arbeit heranzutasten, haben wir die auffälligsten Elemente – wie die Blumen, die in die Bilder eingebracht werden – handwerklich hergestellt, anstatt auf künstliche Intelligenz zurückzugreifen. Wir haben zum Beispiel Pflanzen aus Pappe geschaffen, um einen theatralischen Charakter zu erzeugen. Wenn alle Elemente handgefertigt sind, nähert sich das Ergebnis der Illustration an.
Die Kampagne zeigt weniger, was Paradores ist, als vielmehr, was man in diesem Universum empfinden kann. Wie fotografiert man etwas so Ungreifbares wie eine Emotion?
Ich versuche schon seit einiger Zeit, Emotionen zu fotografieren. Der handwerkliche Aspekt, den ich erwähnt habe, erleichtert es, diese zu vermitteln. Durch die Überraschung schafft man einen Raum für die Betrachtenden, in dem sie menschlicher werden. Von da aus ist es einfacher, über Emotionen zu sprechen. Die Bilder werden von einer Bildunterschrift begleitet, die die Betrachtenden zu Gefühlen anregt. Die Emotion liegt nicht in der Geschichte, die man erzählt, sondern darin, wie man sie erzählt.
Apropos Gefühle: Welcher ist Ihr Lieblings-Parador?
Ich kenne sehr viele, aber fast alle, die ich besucht habe, liegen im Inneren von Kastilien. Wegen der Nähe würde ich den in Chinchón, nennen, dort war ich am häufigsten. Wenn es in einer Stadt einen Parador gibt, habe ich es immer gemocht – egal, ob ich dort übernachte oder nicht –, vorbeizuschauen und mich als Teil des Glücks zu fühlen, diese Gebäude zu retten. Auch wenn es nur für einen Moment ist, spürt man, dass dahinter eine Geschichte steckt.
